sábado, 7 de noviembre de 2026

CARLOS POUS: EL REY DEL HUMOR CUBANO EN CHICLAYO (DÉCADA DE 1940)

 



CARLOS POUS: EL REY DEL HUMOR CUBANO EN CHICLAYO

(DÉCADA DE 1940)

Aún persisten en la memoria colectiva de nuestra ciudad los ecos lejanos de aquellas épocas doradas, cuando Chiclayo vestía sus mejores galas para recibir a las grandes compañías del continente. Fue precisamente en ese Chiclayo bohemio y acogedor de 1940 donde irrumpió con toda su fuerza la arrolladora gracia de Carlos Pous.

Carlos Pous fue uno de los actores y directores más brillantes del teatro bufo cubano; pasó a la historia por ser considerado el mejor intérprete del clásico personaje de "el negrito", un rol lleno de picardía, agilidad y ritmo que hacía gozar al público en cada presentación. Pous no solo actuaba, sino que era un verdadero showman: bailaba, cantaba, hacía acrobacias y organizaba espectáculos de variedades que llenaban teatros en toda América Latina.

Carlos Pous nació en el año 1914 en la hermosa ciudad portuaria de Cienfuegos (Cuba). El amor por las tablas lo llevaba en las venas, pues era sobrino del famosísimo actor y director teatral Arquímedes Pous. Sin embargo, su familia no quería que él se dedicara a la actuación. Pero la vocación de Carlitos era mucho más fuerte.

En 1931, con apenas 17 años de edad, Carlos Pous dio el gran salto profesional al unirse a la Compañía de José Sanabria, una de las agrupaciones de teatro más importantes y activas de Cuba. Sanabria tenía un ojo clínico para descubrir talentos (llegó a asociarse con gigantes del humor como Enrique Arredondo) y armó un elenco de lujo para salir de gira fuera de la isla.

Pous formó parte de un circuito de giras que unía a Perú, Colombia y Chile. Viajó sin parar durante siete años por estos países. Los actores debían mudarse de ciudad a cada rato en tren o barco, cantar, bailar e improvisar en escenarios muy distintos. Para Carlitos, esta fue su verdadera escuela. La compañía llevaba el sainete y la parodia cubana a todas partes, pero no usaban libretos rígidos: adaptaban los chistes a los modismos y costumbres de los países que visitaban para ganarse de inmediato a la gente.

El Teatro Bufo Cubano se apoyaba en tres personajes clásicos: el gallego (el comerciante terco), la mulata (la mujer atractiva y alegre) y el negrito (el alma del humor, la música y la viveza verbal).

El personaje de "el negrito" nació en el siglo XIX e inicialmente era interpretado por actores blancos que se pintaban la cara con corcho quemado (el conocido blackface). "El negrito" era un personaje pícaro que rompe la “cuarta pared” para hablar con el público, burlarse de los políticos, de la autoridad y de la vida cotidiana con un humor filoso.

Mientras otros actores se centraban en el chiste hablado, Pous revolucionó el personaje metiéndole una espectacularidad física nunca antes vista. Su "negrito" bailaba rumba y son como los dioses, hacía piruetas y lideraba números con complejas coreografías, transformando la comedia popular en un espectáculo musical de gran formato.



Durante su largo viaje por Sudamérica, Pous pulió su personaje y aprendió lo necesario para dirigir su propia compañía. En la década de 1940 vino contratado por la "Empresa Peruana Parlante-Bolívar y Carcovich", armó una gran gira por el norte peruano que empezó en Piura, siguió en Chiclayo y tenía como destino final Lima.

En Chiclayo, la compañía se presentó en el recordado Teatro "2 de Mayo" con funciones de vermouth y noche a sala llena. El público chiclayano quedó deslumbrado con sus sketches y sus bailarinas. El célebre periodista chiclayano "Nixa" recordaba a Pous como un hombre bajito, amigable y muy elegante fuera del escenario, famoso por sus camisas caribeñas de verano.

Pous solía cenar en el famoso Salón Bolívar de don Moisés Solís Albújar (ubicado al lado del Teatro Dos de Mayo), lugar de reunión de artistas. De ahí salió una de las anécdotas más divertidas de su carrera: en la última función en Chiclayo, cuando el público fascinado le gritaba: "¡Carlitos no te vayas!", Pous miró a la multitud y con su inconfundible acento cubano respondió: "Mira, chico, de buena gana chico, pero... ya don Moisés me suspendió el crédito y yo, como a la cubana, chico..."

El show de Carlitos Pous no era una obra de teatro aburrida o con una sola historia larga; era una revista musical y de variedades llena de energía y ritmo:

Sketches Cómicos: Escenas cortas llenas de enredos donde "el negrito" se enfrentaba al gallego o a la autoridad. Pous destacaba por su agilidad mental, soltando respuestas rápidas y chistes de doble sentido, pero siempre manteniendo un humor apto para toda la familia.

Bailarinas y Música en Vivo: Pous salía al frente de un electrizante elenco de bailarinas. Son cubano, rumba y danzón entretenían a los espectadores de la sala del teatro entre sketch y sketch.

Improvisación y Picardía: Pous metía la coyuntura local en el show: se burlaba del calor de la ciudad, de los políticos del momento y de la vida diaria, logrando que la gente sintiera el espectáculo como algo propio.

Carlos Pous dejó una marca imborrable en el espectáculo peruano no solo por sus risas, sino por descubrir talentos locales. Cuando se encontraba en Lima, la jovencita Alicia Andrade Rossi estando apenas en tercero de media, decidió dejar el colegio enamorada del teatro para unirse a la revista musical de Pous como bailarina y actriz juvenil.

Alicia se fue de gira con la compañía de Pous por Sudamérica y España, ganando una experiencia invaluable. Años después, de regreso en el Perú en los años 50, se convirtió en una de las comediantes más legendarias de la televisión en programas míticos como El Tornillo, Estrafalario y Risas y Salsa, donde inmortalizó a la recordada "Doña Cañona".


                                                                                     ALICIA ANDRADE

Luego de sus triunfos por Sudamérica y España, Pous regresó a La Habana como una estrella consagrada. Con su carisma, su talento para el baile y su inolvidable caracterización de "el negrito", dejó una huella que unió a Cuba y Perú en una misma carcajada.

El paso de Carlos Pous por el Teatro "2 de Mayo" reafirma esa distinción histórica que siempre ostentó nuestra ciudad: Chiclayo jamás fue una plaza de paso ni una provincia periférica para el arte, sino una parada obligatoria y exigente para los más ilustres espectáculos internacionales que arribaban al Perú. Que artistas de la talla de Pous encontraron en el público chiclayano el aplauso caluroso, la complicidad del humor y la hospitalidad de sus salones, demostrando el señorío cultural y el calor humano de una tierra que supo abrazar lo mejor de la farándula mundial y grabarlo con orgullo en sus páginas de historia local.

SE HA CONSULTADO:

  • “Teatro de Variedades” por Nixa en Suplemento del diario “La Industria” del 27-2-1983.
  • Consultas en línea.

 


miércoles, 4 de noviembre de 2026

VENTRILOQUÍA Y PARODIA EN CHICLAYO (1923)

 



VENTRILOQUÍA Y PARODIA EN CHICLAYO (1923)

Hay épocas en las que el arte encuentra en los rincones más insospechados su escenario perfecto. El 12 de mayo del presente año 2026, compartí en mi blog Del Baúl Bibliográfico Lambayecano el artículo «Teatro y Magia en Chiclayo (1946)», rescatando la memorable visita a tierras norteñas del mago Richiardi Jr. (Aldo Izquierdo Colosi). En esta ocasión, me complace desempolvar los anaqueles del tiempo para evocar el paso por nuestra ciudad, algo más de dos décadas antes, de su ilustre progenitor: Ricardo Izquierdo, la deslumbrante figura conocida como «El Profesor Richiardi».

A comienzos del siglo XX, la figura de Ricardo Izquierdo (Cusco, 1895 – Atlanta, 1937) emergió como un hito fundamental en la historia de la prestidigitación y la ventriloquía sudamericana. Hijo de un mago de escenario de origen europeo (quien adoptó originalmente un seudónimo inspirado en el famoso malabarista Richardini), Ricardo representó la segunda generación de una dinastía de magos que transformaría el concepto del ilusionismo en el continente.

No obstante, antes de consagrarse plenamente en las tablas, Izquierdo destacó por su notable talento gráfico, llegando a trabajar como dibujante e ilustrador para obras del célebre escritor y periodista costumbrista Abelardo Gamarra, «El Tunante», como en el libro Lima: Unos cuantos barrios y unos cuantos tipos (1907). Esta polifacética sensibilidad artística se sumaba a su profundo arraigo patriótico, evidenciado en el célebre incidente de Guayaquil: cuando un periodista le preguntó si era argentino o cubano, al responder con orgullo que era peruano, el tenso clima político de la época provocó una reacción hostil del público. Richiardi se vio obligado a escapar de ese país en una balandra (una pequeña embarcación), lo que le dejó tal resentimiento que prometió no volver a incluir a Ecuador en sus giras americanas, afirmando: «Yo no me siento capaz de renegar de mi patria».

                                                LIBRO DEL "TUNANTE" CON DIBUJOS DE "RICHIARDI"

A finales del año 1923, durante el periodo presidencial de Augusto B. Leguía, la compañía de Richiardi desembarcó en la próspera ciudad de Chiclayo, eligiendo como escenario de su debut el histórico Teatro 2 de Mayo. La primera parte de la función estaba dedicada por entero a la magia, el hipnotismo, la transmisión de pensamiento y la prestidigitación clásica. Ricardo Izquierdo «Richiardi» fue un pionero en impregnar el ilusionismo con una atmósfera teatral oscura, dramática y envolvente. Apoyado en una iluminación tenue, música de fuerte carga emotiva y una presencia escénica solemne, lograba sumergir al espectador en una experiencia casi sobrenatural.

El plato fuerte y cierre deslumbrante de la función correspondía a la rutina de ventriloquía. Richiardi no empleaba muñecos convencionales de tela o yeso simple, sino una compleja colección de «actores mecánicos» y autómatas de alta precisión técnica, con cabezas talladas en madera, papel maché endurecido y mecanismos internos de cordeles y palancas que permitían una expresividad casi humana (movimiento independiente de ojos, cejas y labios), empleando incluso un loro mecánico. Entre sus autómatas destacaban:

  • El «Niño Travieso» (personaje principal): Un muchacho de traje formal e impecable cuya apariencia pulcra contrastaba violentamente con un carácter sarcástico, mordaz e irreverente.
  • Tipos costumbristas y caricaturas sociales: Personajes del campo, ancianos cascarrabias y damas de la alta sociedad. La genialidad de Richiardi radicaba en su capacidad vocal e interpretativa para alterar instantáneamente el registro, acento y temperamento de cada uno de sus personajes.
  • Para asegurar el éxito de taquilla y el dinamismo del show en el Teatro 2 de Mayo de Chiclayo, Richiardi se hizo acompañar por el «parodista» (especialista en parodias), caricaturista y cantante cómico argentino «Mirko». Mientras el Profesor Richiardi tensionaba al público con el enigma de las ciencias ocultas y la imposibilidad de los trucos de magia, Mirko salía a escena para distender el ambiente. Su acto combinaba la caricaturización de divas (imitando la voz, modales y estilo de las cupletistas y tiples), gobernantes y celebridades de la época mediante cambios rápidos de vestuario y modulación vocal, además de canciones de corte popular con letras adaptadas al contexto local. La presencia de este artista internacional argentino otorgaba a la velada un estatus refinado y moderno, garantizando salas llenas en Chiclayo. Existe una anécdota relatada por Nixa donde cuenta que un grupo de chiclayanos, después de una cena, comprometió a Mirko a dar una serenata, en la que cantó con una voz tan hermosa tanto como mujer como de hombre.


                                                                                           "MIRKO"

                                                                "MIRKO" EN UN PAPEL COMO MUJER

Richiardi solía romper la «cuarta pared» (concepto teatral que designa la pared invisible o imaginaria que se encuentra al frente del escenario y separa el mundo de ficción del público) bajando al borde del escenario con su autómata principal. El muñeco fijaba su mirada en personalidades notables de la sociedad chiclayana —comerciantes, autoridades locales o damas distinguidas— dirigiéndoles preguntas punzantes sobre su vestimenta, su calvicie o sus compañías. Dado que los comentarios provenían de la boca del «muñeco» y no del artista, se generaba una licencia cómica donde la censura social quedaba en suspenso.


                                                                        "RICHIARDI"

En 1923, bajo la atmósfera política de la «Patria Nueva» de Augusto B. Leguía, la crítica abierta al régimen conllevaba serios riesgos. Richiardi utilizó la ventriloquía como una sutil herramienta de escape. Durante la función, el mago intentaba mantener un discurso serio, patriótico y formal, pero el «Niño Travieso» lo interrumpía intempestivamente para realizar comentarios sarcásticos sobre la inflación, la burocracia o los prefectos locales. Richiardi fingía reprimendas en vivo y le tapaba la boca a la marioneta, produciendo una comedia donde el autómata encarnaba la voz irreverente del pueblo chiclayano.

La rutina alcanzaba su cumbre técnica cuando el muñeco entablaba disputas con el propio Ricardo, negándose a cantar o corrigiendo al mago en público. Asimismo, la atmósfera de adivinación de la primera mitad se trasladaba al muñeco, el cual retaba a los asistentes adivinando objetos ocultos en sus bolsillos o improvisando rimas ingeniosas al instante.

El arrollador éxito sudamericano abrió a Ricardo Izquierdo las puertas del mercado norteamericano. En 1936, rebautizado como «The Great Richardi», emprendió una ambiciosa gira por Estados Unidos. Sin embargo, en la cumbre de su carrera internacional, la tragedia cortó abruptamente su vida: en 1937, a los 42 años de edad, falleció en un catastrófico accidente automovilístico en Atlanta, Georgia, donde sus restos descansan en el cementerio de Greenwood.

La repentina muerte dejó a la familia sumida en la precariedad económica en Nueva York. Su hijo, Aldo Izquierdo Colosi, tenía apenas 12 años. Para costear la hospitalización de su madre, Rina Colosi, trabajó incansablemente como obrero de día y botones nocturno en el Central Park Hotel. A los 18 años, Aldo debutaba en el Teatro Municipal de Lima como Richiardi Jr., consagrándose con el tiempo como uno de los magos más deslumbrantes del siglo XX, célebre por perfeccionar la estética dramática y sangrienta del truco de la mujer aserrada.

La gira de 1923 en el Teatro 2 de Mayo no fue un hecho aislado, sino la confirmación del espíritu vivo de una época dorada. Por aquellos años, Chiclayo se levantaba no solo como el corazón comercial del norte peruano, sino como una parada obligada y codiciada para las más prestigiosas compañías itinerantes de América y Europa. A sus escenarios llegaron virtuosos de la ópera, dramaturgos de renombre, reputados prestidigitadores y artistas de variedad que encontraban en el público chiclayano a una audiencia culta, entusiasta y hospitalaria.

FUENTES CONSULTADAS:

-Revista Variedades (Lima): N.º 474 (31 de marzo de 1917); N.º 789 (14 de abril de 1923); N.º 790 (21 de abril de 1923).

-Nixa: «A propósito»: «Fugitivo y en balandra» y «Mirko, cantaba como mujer». Diario La Industria de Chiclayo, década de 1980.

-Consultas en línea.

 


lunes, 2 de noviembre de 2026

TÓRTOLA VALENCIA: LA REVOLUCIÓN DE LA DANZA EN CHICLAYO (1924)

 

TÓRTOLA VALENCIA: LA REVOLUCIÓN DE LA DANZA EN CHICLAYO (1924)

Durante los años 20, la mítica bailarina española Carmen Tórtola Valencia (Sevilla, 1882 – Barcelona, 1955). se convirtió en un auténtico fenómeno cultural en el Perú. Si bien sus hitos más masivos y documentados se concentraron en Lima —como su famosa "Caravana Hindú" con dromedarios en los carnavales de 1922 o su "Danza incaica" de 1925—, su impacto e influencia estética resonaron en todo el norte peruano.

Conocida mundialmente como «La bailarina de los pies desnudos» —título inmortalizado por el poeta Rubén Darío—, Tórtola no fue una artista convencional de variedades, sino una iconoclasta, pionera de la danza libre y símbolo universal de la liberación femenina.

  • Primera visita (1916): Llegó al Perú en el marco de su primera gran gira sudamericana. Tuvo un éxito rotundo en Lima, presentándose en los teatros más importantes de la capital. En este viaje inicial su itinerario se concentró principalmente en Lima.
  • Segunda visita (1921 - 1924): Fue su estadía más apoteósica, larga y famosa. Llegó a finales de 1921 auspiciada directamente por grandes medios peruanos. Permaneció entrando y saliendo del país durante casi tres años, usándolo como base de operaciones. Fue en esta segunda gran visita donde realizó sus espectáculos más icónicos (como la "Caravana Hindú" en los carnavales de Lima de 1922).


·   Una única gran gira norteña (1924): Carmen Tórtola Valencia visitó la ciudad de Chiclayo una sola vez. Ocurrió a mediados del año 1924, aprovechando su larguísima estancia en el país. Tras paralizar Lima con sus extravagancias, la artista emprendió un viaje hacia el norte del Perú para presentarse en Trujillo, Chiclayo y Piura, atraída también por su naciente obsesión de coleccionar huacos y piezas arqueológicas precolombinas. Su espectáculo en las tablas chiclayanas bastó para dejar una marca imborrable en la moda y el estilo de la juventud local.

·      Gira (1925): Vuelve a Lima en una gira corta.

 El paso de la bailarina por el Perú dejó una huella profunda en la juventud femenina de Chiclayo. Esta constante difusión mediática encendió la chispa del fenómeno conocido como "tortolismo". La moda de los años 20 en la capital de Lambayeque, visible en los paseos del Parque Principal de Chiclayo, adoptó ciertos cambios:

Algunas pocas jóvenes abandonaron el corsé rígido por los vestidos de talle bajo, túnicas y telas fluidas; el cabello largo fue cambiado por el corte garçonne (estilo bob), símbolo de liberación femenina y los rostros limpios sustituidos por un maquillaje dramático (ojos intensamente delineados, labios oscuros y el uso coqueto de lunares postizos.



Se cuenta que el problema del “Teatro Dos de Mayo” era el piso del escenario, esto puso en aprietos a don José María Cabrejos Pastor que era el que alquilaba el local y al administrador que era el gordo Arbaiza, contrataron un carpintero que cepilló y dejó en condiciones óptimas el escenario para que bailara la artista. El punto de inflexión ocurrió en las tablas del histórico Teatro de Chiclayo acostumbrado a veladas líricas tradicionales o compañías teatrales conservadoras, el público local presenció un espectáculo que desafiaba la moral de la época.

Tórtola Valencia salía a escena a bailar piezas como La Serpiente o Salomé completamente descalza, con los pies pintados de rojo y enjoyados. Sin embargo, para los círculos artísticos y la juventud, la propuesta de Tórtola demostró que el cuerpo humano no necesitaba de zapatillas de punta ni de corsés para transmitir la máxima expresión del arte y la espiritualidad. Tórtola Valencia rechazaba categóricamente el ballet académico. Su repertorio musical adaptaba grandes composiciones clásicas y ritmos ancestrales para dar vida a su propia visión coreográfica:

El impacto de la visita de Tórtola Valencia a Lambayeque fue bidireccional. La artista no solo dejó una impronta en la moda y las costumbres chiclayanas, sino que quedó profundamente obnubilada por el arte precolombino del norte peruano. Tórtola dedicó sus días en Chiclayo a recorrer la periferia y adquirir textiles y huacos de las culturas preincaicas.

                                                                     LA MODA DE LAS CHICLAYANAS

La única visita de Carmen Tórtola Valencia a Chiclayo no fue un simple episodio de la farándula de la época, sino una auténtica revolución cultural. Al desafiar los dogmas de la danza tradicional y las restricciones sociales impuestas a la mujer, «La bailarina de los pies desnudos» encendió la llama del cambio en la juventud lambayecana. Su paso por las tablas del Teatro Dos de Mayo dejó una marca imborrable.

SE HA CONSULTADO:

-La “Revista Centenaria” de Chiclayo (1935).

- “A Propósito” por Nixa: Recuerdo de Tórtola Valencia (3-4-1991); Los Dioses de Tórtola Valencia (5-4-1991).

-Revista "Variedades" de Lima (4-3-1922) # 731

-Consultas en línea.

 

 


sábado, 31 de octubre de 2026

GUADALUPE VALENCIA: EL HOMBRE QUE CAMINÓ POR EL AIRE EN CHICLAYO (1925)

 

                                                                              DIBUJO REFERENCIAL

GUADALUPE VALENCIA: EL HOMBRE QUE CAMINÓ POR EL AIRE EN CHICLAYO (1925)

En la historia urbana de Chiclayo existen episodios que, aunque pertenecen a un pasado lejano, han quedado asociados a la memoria de la ciudad por la singularidad de los acontecimientos y por la profunda impresión que causaron entre sus habitantes.

El panorama de las distracciones públicas en el Chiclayo de los años veinte combinaba las funciones de cine mudo en los teatros Pathé y Gaumont con las arriesgadas presentaciones de las grandes compañías circenses. Entre todos los espectáculos que marcaron la memoria colectiva lambayecana, ninguno quedó tan grabado como la temeraria demostración de Guadalupe Valencia, un célebre acróbata y funambulista (equilibrista sobre el alambre) de origen mexicano, cuyas hazañas en la cuerda floja suspendieron el aliento de la ciudad entera y generaron crónicas que hoy se bifurcan entre el rigor periodístico de la época y la nostalgia de la tradición oral.

El equilibrista mexicano Guadalupe Valencia llegó al norte peruano como integrante del circuito del Circo Hipódromo Cavallini —conocido también como Circo Cavallini o Circo de los Hermanos Cavallini—. Su paso por Chiclayo, situado hacia marzo de 1925, debe entenderse dentro de una tradición mucho más amplia: la de los grandes circos itinerantes que recorrían las ciudades llevando artistas nacionales y extranjeros, animales, músicos, payasos y acróbatas; en fin, espectáculos capaces de convertir cualquier plaza o descampado en el centro de atención de toda la población.

El Circo Cavallini empleaba, entre otros recursos publicitarios, los llamados “pizarrines”, los cuales se colocaban en lugares concurridos para anunciar determinadas atracciones y generar expectativa antes de las funciones. En ese ambiente se insertó Guadalupe Valencia, presentado como un extraordinario artista de equilibrio sobre cable. Su especialidad consistía en caminar a considerable altura utilizando una barra como contrapeso, lo que añadía a las funciones un componente de altísimo riesgo.

Ya existían referencias anteriores que permiten comprender la dimensión de su espectáculo: en Bolivia su nombre había acaparado portadas y, en noviembre de 1924, realizó una aclamada prueba pública en la Plaza de Armas de Arequipa.

                                                                              VALENCIA EN BOLIVIA

Según el material de la época, el episodio más recordado de Guadalupe Valencia en Chiclayo tuvo como escenario el Parque Principal, donde el 4 de marzo de 1925 ofreció una impresionante demostración. La gran atracción que movilizaba multitudes eran sus actos de cable exterior en pendiente (conocidos como el "vuelo").

La prueba consistía en recorrer un cable de acero tensado desde un punto situado en las inmediaciones de la entonces Botica El Parque, del Dr. Aita (donde hoy se ubica Inkafarma), hasta la segunda torre del reloj de la Catedral.

La imagen del equilibrista ascendiendo por el cable, suspendido sobre el espacio urbano, constituyó una escena extraordinaria para una ciudad que veía transformado su centro en un escenario de espectáculo. Eran casi las 5:30 de la tarde y, ante unos tres mil espectadores, Valencia avanzó hacia la torre con los ojos vendados, valiéndose únicamente de una vara de fierro de tres metros.

Un silencio helado, dominado por los nervios de la muchedumbre, sobrevolaba la plaza. Frentes sudadas y ojos desorbitados por la desesperación contemplaron cómo, a mitad del trayecto, el artista —que no veía— equivocó el paso y amagó con caer sobre los impasibles adoquines de la calle Elías Aguirre. Tras recuperar heroicamente el control, terminó de subir para luego bajar resbalándose por el cable, desatando la euforia y el asombro colectivo.

                                                                            VALENCIA  EN AREQUIPA

Por aquellos días, el fenómeno de El Niño de 1925 había provocado graves lluvias e inundaciones en Lambayeque, alterando las actividades cotidianas y devastando la economía local. En la jerga circense, este tipo de exhibiciones públicas formaba parte del llamado “bombo”: una acción publicitaria para generar expectativa e impulsar la afluencia del público. Sin embargo, en esta oportunidad el espectáculo funcionó bajo la modalidad "a la gorra". Dado que la población norteña sufría pérdidas materiales devastadoras, el circo no podía cobrar una entrada formal bajo carpa. Las exhibiciones de Lupe Valencia se montaron al aire libre y de forma gratuita para levantar la moral de una comunidad golpeada por el desastre, haciendo depender las ganancias del artista únicamente de la colecta masiva posterior.

El Circo Hipódromo Cavallini pertenecía a una dinastía familiar de gran arraigo en el Perú. Su trayectoria se extendió durante décadas y descentralizó el entretenimiento recorriendo numerosas provincias. A las acrobacias y al equilibrio sumaba números cómicos, malabaristas, magos, luchadores y animales amaestrados. Décadas más tarde, el nieto del fundador, el recordado artista Guillermo Cavallini Osores, daría el salto a la televisión peruana como integrante del célebre programa humorístico Risas y Salsa, popularizando a nivel nacional su icónica frase: “¡Ay, que rico!”.

Un personaje menos conocido en esta reconstrucción histórica, fue Manuel Alegre, representante de Valencia. Mientras el artista deslumbraba al público, Alegre manejaba la estructura administrativa y de negocios. A él debían dirigirse las autoridades municipales, empresarios o particulares que desearan contratar al equilibrista, saldar cuentas o favorecerlo económicamente tras o para sus presentaciones.

La demostración de Valencia adquirió una dimensión especial al apoderarse del corazón de la vida cotidiana chiclayana: el Parque Principal y el entorno de la Catedral. Por unas horas, la plaza dejó de ser un lugar de tránsito para convertirse en un gran teatro al aire libre al que acudieron vecinos de todos los sectores para contemplar al hombre que caminaba por el aire.

Con el paso del tiempo, la figura de Guadalupe Valencia adquirió matices legendarios. La historia de su paso por Chiclayo no es solo la biografía de un acróbata, sino el retrato de una ciudad que, hace un siglo, abría sus brazos a las compañías itinerantes y convertía la rutina en una fiesta popular.

El intrépido equilibrista continuó su gira continental y falleció trágicamente dos años después. Perdió el equilibrio y cayó al vacío durante una presentación pública en su natal México. Esa caída final cierra la biografía de un hombre que, literalmente, vivió y murió en el alambre. Sin embargo, para el pueblo de Chiclayo, Valencia no dejó el recuerdo de su muerte, sino el testimonio inmortal de su momento de mayor gloria y audacia.

SE HA CONSULTADO:

-Revista Centenaria de Chiclayo (1935).

- “Del Chiclayo que se fue” de Miguel Ángel Diaz Torres (1993).

- “A Propósito” por Nixa: La hazaña de Guadalupe Valencia - “La Industria” de Chiclayo (10-5-2005)

-Datos diversos obtenidos en línea.




viernes, 16 de octubre de 2026

JOSÉ BRACAMONTE VERA: EL MAESTRO DEL CARTEL Y LA VANGUARDIA GRÁFICA PERUANA

 


JOSÉ BRACAMONTE VERA: EL MAESTRO DEL CARTEL Y LA VANGUARDIA GRÁFICA PERUANA

José Bracamonte Vera (Chiclayo, 1928 – Lima, 1983) fue una de las figuras más polifacéticas e influyentes de las artes plásticas y el diseño gráfico en el Perú del siglo XX. Creador prolífico, docente dedicado y gestor cultural, Bracamonte desafió los límites entre las Bellas Artes y la comunicación gráfica popular, consolidando el afiche y la serigrafía como vehículos de alta calidad estética y de profunda conciencia social.

Nació en Chiclayo en 1928, en el seno del hogar formado por el escritor, periodista y empresario editorial José del Carmen Bracamonte Cervera (1892–1946) y la señora Ana María Vera Burga. El joven José creció inmerso entre pliegos de papel, tipos de imprenta y el bullicio de las salas de redacción de la imprenta familiar, cuna del histórico periódico El Departamento (donde posteriormente se editarían los diarios Ahora y La Hora, así como los semanarios Crítica y Carteles).

Realizó sus estudios escolares en el histórico Glorioso Colegio San José de Chiclayo. Desde niño demostró una marcada inclinación por el dibujo, llenando de trazos y bocetos los periódicos y papeles de la imprenta familiar. Fue el reconocido periodista chiclayano Nicanor de la Fuente («Nixa») quien, al percatarse del talento innato del joven, alentó a su padre a enviarlo a Lima para formarse profesionalmente en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú.

En la Escuela de Bellas Artes destacó rápidamente como uno de los alumnos más dotados de su generación, compartiendo aulas con Alberto Quintanilla, Gerardo Chávez, Tilsa Tsuchiya y otras grandes figuras del universo artístico nacional. Tras concluir sus estudios, emprendió un viaje decisivo a Europa (con una estancia destacada en Francia) y a los Estados Unidos. Allí estudió de cerca a los grandes maestros de la pintura, conoció las vanguardias modernas e investigó el incipiente mundo del afichismo y del diseño publicitario internacional.

A su regreso al Perú, irrumpió con fuerza en la escena cultural capitalina a través de diversos espacios y disciplinas:

  • Primer Salón de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (1951): Espacio donde su propuesta pictórica madura comenzó a recibir elogios de influyentes críticos e intelectuales como José Flores Aráoz.
  • Ilustración y Portadas Literarias: A lo largo de las décadas de 1950 y 1960, se consolidó como dibujante, caricaturista y diseñador de afiches teatrales, publicidad y publicaciones periódicas. Ilustró obras fundamentales como Cuentos peruanos de Enrique Congrains Martín (1955), Cuentos de circunstancias de Julio Ramón Ribeyro (1958) y la edición especial de la revista Fanal dedicada al departamento de Lambayeque (1953), entre otras.
  • Segundo Salón de Arte Gráfico (1963): Evento donde el célebre crítico de arte Juan Acha destacó públicamente la solidez técnica y vanguardista de sus ilustraciones y trabajos gráficos.
  •                                                     PORTADAS ILUSTRADAS POR BRACAMONTE

Bracamonte Vera defendía conceptualmente una premisa: «Soy un pintor que diseña carteles», sosteniendo que el afiche y la gráfica no eran artes menores, sino extensiones naturales de la pintura contemporánea.

Gracias a su destreza en la diagramación y el mensaje visual, actuó como asesor gráfico durante el primer gobierno del presidente Fernando Belaunde Terry y, posteriormente, durante el Gobierno Revolucionario de las Fuerzas Armadas liderado por el general Juan Velasco Alvarado.

Durante la década de 1970, en el contexto de la Reforma Agraria, se integró al Sistema Nacional de Apoyo a la Movilización Social (SINAMOS). En colaboración con artistas como Jesús Ruiz Durand, impulsó una de las transformaciones visuales más emblemáticas del arte peruano:

  • El "Pop Achorado": Fusionó las corrientes internacionales del Pop Art y del Op-Art (arte óptico) con motivos, rostros y simbología andino-campesina.
  • Difusión Masiva: Creó e imprimió masivamente serigrafías, afiches y folletos educativos de líneas sintéticas y colores vibrantes que buscaban dignificar al campesino y difundir el cambio social.

Además del formato impreso, incursionó en el muralismo en mosaico de temática andina. Entre sus obras más destacadas figuraron los siete imponentes mosaicos concebidos para la Universidad Nacional del Altiplano (UNAP) en Puno (1964), por desgracia destruido hace unos años.


                                                             UNO DE LOS MURALES DESTRUIDOS

En mayo de 1975, la Galería de Arte de Petróleos del Perú (Petroperú) organizó la importante exposición retrospectiva 25 años de obra gráfica. El catálogo contó con un emotivo texto de presentación escrito por el historiador y crítico de arte Alfonso Castrillón, quien encomió el honesto compromiso social del artista a través del cartel. Ese mismo año, el Estado Peruano le otorgó el Premio Nacional de Cultura en el área de Comunicación Social, consagrándolo como el pionero indiscutible del diseño gráfico moderno en el país.



                                                                        DIBUJOS DE BRACAMONTE

Por su trayectoria y solvencia moral, en 1976 asumió la Dirección de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, sucediendo al maestro Teodoro Núñez Ureta, cargo que ocupó antes de la instauración de la Junta Administrativa que condujo la institución entre 1976 y 1978.

A fines de 1982 realizó una de sus últimas visitas a su natal Chiclayo para reencontrarse con sus raíces, visitar su querido colegio San José y obsequiar retratos y obras a sus entrañables amigos. Poco tiempo después, falleció inesperadamente en Lima en 1983, a la temprana edad de 54 años.



José Bracamonte Vera estuvo casado con la destacada actriz de teatro y televisión Mirna Bracamonte, fruto de cuyo matrimonio nacieron la artista Laura Bracamonte y el reconocido cantautor y sommelier José Bracamonte (Embajador de la Marca Perú), manteniendo un entorno familiar estrechamente ligado al arte y la cultura.

Hoy en día, la figura de José Bracamonte Vera trasciende no solo como la de un visionario que transformó la gráfica peruana en arte de vanguardia, sino también como el digno heredero de una estirpe chiclayana que hizo historia en el periodismo y la imprenta lambayecana. En sus trazos y carteles sobrevivió siempre la mística de los talleres tipográficos de su infancia en Chiclayo, donde el papel y la tinta, al igual que en la imprenta de su padre, se convirtieron en herramientas fundamentales para educar, comunicar y forjar la identidad cultural de todo un país.

FUENTES CONSULTADAS:

  • NIXA (Nicanor de la Fuente). «Bracamonte Vera, artista chiclayano». En: Lundero, suplemento cultural del diario La Industria de Chiclayo, 25-9-1983.
  • NIXA. «A Propósito: Bracamonte, artista chiclayano», 21-6-1983.
  • Boletín de la Biblioteca Nacional, N.º 16, diciembre de 1953.
  • Consultas en línea.